“El hecho de que elegimos desde el principio trabajar como un dúo de artistas se basó en el sentido de que juntos nuestras capacidades y límites corporales pueden expandirse más allá de los nuestros, obligándonos a hacer cambios radicales en nuestra zona de confort y hábitos individuales”.
¿Podrían contarnos un poco sobre vosotros y vuestros antecedentes? ¿Dónde estudiasteis?
Somos Merav Kamel y Halil Balabin, un dúo de artistas que trabajamos juntos desde 2012. Nos conocimos en el Departamento de Arte de la Academia de Arte y Diseño Bezalel, Jerusalén.
Merav supo desde temprana edad que quería ser artista. A los 10 años recibió un regalo de colores al óleo de su abuelo. Aunque nadie le explicó qué hacer ni cómo, y la trementina se derramó por todas partes, la pintura fue encontrando poco a poco su camino hacia el lienzo, mientras que los materiales fueron su mejor maestro. Hasta el día de hoy, todavía encontramos en nuestra práctica de estudio que los materiales son nuestros mejores maestros.
Halil encontró interés en los estudios de arte mientras aprendía danza en el estudio de un maestro de renombre en Mizpe Ramon (en el desierto de Negev en Israel). Una visita coincidente al departamento de arte de la Academia Bezalel le hizo sentir la libertad que te da el arte. La capacidad de ser extraño nos cautivó a ambos.
Pasamos mucho tiempo en nuestro estudio, se podría decir que somos 'adictos' al arte. Estamos sumergidos en detalles menores en nuestro trabajo, lo que hace que cada movimiento sea bastante extenso y conduce a una lucha entre nuestro flujo de ideas y pasiones y un ritmo de trabajo relativamente lento.
Trabajamos en dos áreas separadas del estudio y nos reunimos ocasionalmente durante el día para compartir una nueva revelación, un trabajo que terminamos o un pensamiento emocionante. La presencia de ambos nos permite un diálogo con una persona que amamos y apreciamos y posibilita una fecundación mutua.
Nos encanta estar en el desierto. Pasar tiempo en un área monocromática, tranquila y vacía llena tu mente y tus sentidos de emoción. Durante la segunda cuarentena de COVID-19 en Israel (octubre de 2020) estuvimos en una residencia de un mes en el Arad Art Center en el desierto y nos rodeó un horizonte desnudo que nos hizo sentir diluidos y transparentes. Esperamos tener una casa y un estudio en el desierto.
Hoy nuestro estudio está ubicado junto a la playa de Tel Aviv, por lo que caminar hacia/desde nuestro piso hasta el estudio nos permite disfrutar de una mirada ininterrumpida en la naturaleza junto al paisaje urbano.
¿Qué os impulsó a trabajar como dúo? ¿Cuáles han sido los aspectos más gratificantes e inesperados de vuestra asociación profesional en los últimos nueve años?
Al comienzo de nuestra relación, solíamos coser muñecas como regalo el uno para el otro. Gradualmente las muñecas fueron conectadas, una haría la nariz, la otra haría el pie, y luego jugamos con los otros órganos y comenzamos a tener conexiones sorprendentes.
Hoy trabajamos juntos en varios niveles. A veces nos pasamos trabajos de uno a otro, a veces cada uno está enfocado en su propio trabajo. Sin embargo, el énfasis siempre está en un espacio de trabajo compartido y, en consecuencia, un espacio de exhibición compartido.
Una de las cosas más importantes para nosotros como creadores es ampliar los límites de nuestra conciencia e imaginación. El hecho de que elegimos desde el principio trabajar como un dúo de artistas se basó en el sentido de que juntos nuestras capacidades y límites corporales pueden expandirse más allá de los nuestros, obligándonos a hacer cambios radicales en nuestra zona de confort y hábitos individuales.
Con el tiempo nuestro trabajo colectivo ha evolucionado. Al principio, trabajábamos en la misma obra de arte, en el mismo material, dentro de un concepto que acordamos. Con el tiempo nos dimos cuenta de que podía disminuir o incluso castrar nuestros deseos individuales en aras del trabajo conjunto. Naturalmente, comenzamos a abrirnos a prácticas creativas adicionales dentro del estudio para un trabajo individual o colectivo. Curiosamente, nos dimos cuenta de forma no intencional y no verbal de que nuestras obras se conectan maravillosamente en un entorno de exhibición.
Tal vez sea nuestro flujo de conciencia o algún sentido extraño lo que crea estas relaciones dentro de nuestras obras. Tenemos una línea similar y un estilo casi idéntico, que en su mayoría solo sabemos quién hizo qué.
Vuestro proyecto de 2016 "Maalal" hace referencia a la noción freudiana de una memoria de pantalla y su proyecto de 2019 "Pierna desnuda" se inspiró en Louise Bourgeois, quien consideraba el arte como una "forma de psicoanálisis" paralela. ¿La teoría psicoanalítica influye en vuestra práctica? Si es así, ¿de qué manera?
Louise Bourgeois dijo una vez que los artistas tienen el privilegio de estar en contacto con su subconsciente y esa es su definición de cordura. La capacidad del arte para convertir y mezclar entre la cordura y la locura, y para flexionar y confundir el límite imaginario sintetizado entre los dos, es quizás la fuente de nuestro impulso para hacerlo una y otra vez. La relación entre psicología y arte nos interesa más como experiencia que como teoría.
Vemos el arte como una herramienta, un espacio para hablar con lo desconocido. Nos dice cosas del mundo exterior y de nuestra propia mente, suscita miedos, y el miedo es la fuente más fértil para un imaginario creativo. La paranoia, como la fantasía, está asociada con la creación. El miedo hace que el mundo gire, como escribió Bourgeois.
Como evidencia de un sueño, figuras de nuestro pasado están surgiendo del material en nuestras manos con conexiones sorprendentes y absurdas que ninguna mente sobria puede inventar, una fuerza de creación que está más allá de nosotros.
Figuras humanoides caprichosas hechas de tela y madera ocupan un lugar destacado en proyectos como "The Hotdog Man and the Thief of Distances" (2020), "Naked Leg" (2019) y "Bauchnabel" (2018). ¿Cuál fue la inspiración para estas figuras? ¿Cómo afecta su materialidad a su subjetividad?
Estamos en busca de acceder a los territorios de lo desconocido, del absurdo, del disparate, del humor y de la fantasía. Hay muchas puertas de entrada para entrar. El material, por ejemplo, ha demostrado ser un acceso familiar para nosotros, pero también figuras aleatorias en una pared descascarada, sueños, revisar viejos cuadernos de bocetos. La mayoría de las veces, nuestras esculturas comienzan en una dirección relativamente clara, sin embargo, el fracaso y la interrupción conducen a la figura o escena final, mientras se crea.
Por lo general, no hay un tema cohesivo que conecte nuestras obras. Lo hace el espectador. Los vemos como un grupo de historias cortas reunidas en un solo espacio. Nuestra inspiración puede venir potencialmente de cualquier parte; puede ser la historia, la situación política actual en el Medio Oriente, signos y símbolos en la arena pública, chistes privados. A veces puede haber obras detalladas en nuestra mente y otras veces, las obras nacen del proceso mismo. Intentamos ser lo más estúpidos que podemos y trabajar desde un punto de vista caprichoso, bochornoso, seductor y cableado.
Vuestra exposición más reciente, "The Hotdog Man and the Thief of Distances", en Artport Tel Aviv, incluye las mencionadas figuras humanoides de madera y una instalación de pintura. ¿Podéis darnos más detalles sobre la concepción de este proyecto?
En los últimos años hemos dejado de trabajar con ideas y propuestas concretas para exposiciones. Sentimos que el mecanismo del arte opera de una manera que contradice y castra la posibilidad de desarrollar un proceso intuitivo, alarmante y no identificado. Una idea puede ser un detonante de la acción creativa, pero lo que sucede a partir de ese momento es lo que más nos interesa. También puede ser lo más desafiante de lo que hablar.
Durante una residencia de un año en Artport, Tel Aviv (2020), pudimos trabajar sin una fecha límite y nos dimos el espacio y el aliento que tanto necesitábamos. Las cuarentenas de Covid-19 solo mejoraron nuestras motivaciones internas sobre las externas. Nos enfocamos en hacer arte para nosotros mismos y no para curadores, espectadores o demandas del mercado. La formación de nuestro último programa fue muy orgánica. Comenzamos a analizar nuestras actividades solo después de instalar el proyecto 'The Hotdog Man and the Thief of Distances'.
Las pinturas se reúnen en una pintura mural involuntaria, intuitiva y continua. Es una narrativa rota, como armar un rompecabezas sin saber la imagen final. Cada cuadro tiene líneas que van más allá de su papel, y sólo en el cuadro contiguo se puede conocer su curso. Nuestra técnica de pintura infinita y continua nos permite crear numerosos puntos de vista que desafían la ley de la perspectiva “científica”. Aspira a una descripción realista, en el sentido de que describe nuestra experiencia global del mundo, como un pergamino, un diorama, una pintura bizantina, egipcia, japonesa o persa antes de la invención de la perspectiva lineal.
Las figuras pintadas se mezclan entre sí, fluyen de una cosa a otra, objeto y sujeto se desdibujan, caos en orden opuesto. Nuestra técnica de grabar un papel empapado con acuarelas requiere una gran concentración y un trabajo intuitivo como un dibujo zen.
Durante nuestra residencia, también profundizamos en la escultura en madera. Cada una de las figuras esculpidas es el resultado de un lento y concentrado aprendizaje de lo que se puede y no se puede hacer con la madera. La limitación del material es un punto de partida crucial que ofrece opciones que nunca hubiéramos considerado. Los fracasos y fallas en el proceso son los que trajeron los resultados más notables. Estas figuras tienen un rasgo de arquetipo, que hace referencia al pasado, a mitos e imágenes familiares de diferentes culturas, correspondientes a la historia de la escultura en madera. En un extremo está el Hotdog Man, un narrador, un maestro, un Gurú, descargando una cadena interminable de perritos calientes en un todo en el escenario, comiéndolos o cagándolos, como historias que se le salen de la boca. Se sienta en una postura meditativa, tal vez dando una lección. Frente a él hay una serie de figuras esperando que él hable, mirando, escuchando, tal vez esperando la salvación, algunos dedicados, otros oponiéndose, criticando.
¿Qué obra de arte habéis visto recientemente que te haya llamado la atención?
Una de las cosas más alucinantes con las que nos encontramos recientemente fue la serie animada 'The Midnight Gospel'. Fantásticas figuras animadas en un mundo perturbado de percepción humana perturbada. La sensación de dos canales receptivos y dos narrativas que se ejecutan simultáneamente compitiendo en tu enfoque crea un estado complicado e interesante, y muy en correlación con nuestra mente nerviosa.
Un lugar que realmente amamos es el Museo Insel Hombroich (Isla de los Museos Hombroich) en Neuss, Alemania. Un museo de arte en la naturaleza que parece un depósito de agua verde. Caminas por hermosos y extraños edificios tipo Tetris que muestran obras maestras de artistas modernos junto a elementos rituales de culturas de todo el mundo. Sin guardias, sin texto en la pared, sin etiquetas, solo un flujo asombroso entre un paseo por la naturaleza y las creaciones humanas que, a veces, telarañas y polvo encontraron su camino hacia ella. La capacidad de hacer que la vida se mezcle con el arte nos recuerda la disolución de la sustancia, su muerte, y de esa manera, estas obras de arte son las más vívidas y vivas. Es el lugar perfecto para alucinar en la naturaleza, y lo más importante ofrecen una cafetería gratuita con comida reconfortante y bebidas calientes.
También recientemente visitamos 'la casa pintada en Shlomi' de Afia Zacharia. Un pequeño piso de bajo presupuesto en la localidad de Shlomi, en la frontera entre Israel y el Líbano, que Afia Zacharia había convertido en una obra de arte que se abrió al público tras su muerte en 2002. Con medios sencillos, intensidad y trabajo continuo , convirtió su piso en un universo alternativo, un palacio decorado que envolvía como una tienda de campaña.
¿Hay algo nuevo y emocionante en camino que os gustaría contarnos?
Últimamente descubrimos lo divertido y emocionante de visitar cuevas en el desierto de Israel. Llevamos con nosotros nuestros materiales de trabajo y montamos un estudio en la naturaleza. Planeamos hacer más de estos viajes y no estamos seguros de qué será de ellos, pero estamos muy emocionados por ello. Buscamos constantemente formas creativas de fusionar nuestro arte y nuestras vidas, en lugar de mantenerlos separados o luchar entre ellos.