VISA Projects | Mayo 2022
Visa Projects es una plataforma curatorial establecida en la ciudad de New York en 2022 por Michele Lorusso, enfocada en prácticas artísticas contemporáneas de creadores emergentes mexicanos. Durante este año han estado realizando una serie de exhibiciones a manera de pop-up show tituladas This (Supposedly) Must Be The Place en Mi Casa NYC.
Visa Projects pretende establecerse y funcionar a manera de comunidad de creativos Mexicanos posicionados de forma válida e ideológica en Estados Unidos. Busca articular las diversas identidades mexicanas y proponer un modelo híbrido que genere vínculos intelectuales y estéticos recíprocos entre las comunidades norteamericanas. Para Visa Projects el arte es una herramienta determinante en el abordaje y resolución de problemáticas actuales que conciernen a ambas nacionalidades, por lo cual creen que plantear un acercamiento accesible desde el arte y sus comunidades facilitará el surgimiento de otras posibilidades más amenas y relevantes.
A continuación una selección de 10 artistas pertenecientes a Visa Projects en colaboración con La Pera Projects:
Andy Medina (n. 1993, Oaxaca, México, vive y trabaja en la Ciudad de México)
2022, Pintura esmalte en aerosol sobre tela, 17 x 97 cm $800
2022, Pintura esmalte en aerosol sobre tela, 17 x 97 cm $800
El lenguaje como soporte de su investigación ha sido uno de los caminos más predilectos en el proceso artístico de Medina, puesto que tiene la facultad de desnudar el pensamiento colectivo. Permite mirar sus flaquezas, señalar sus prejuicios, que fueron introducidos casi en automático tras la imposición del idioma, para así comprender cómo funciona culturalmente una sociedad. A menudo conceptos como raza, educación, economía, trabajo y recientemente género son detonantes de cuestionamientos necesarios para la producción de piezas y proyectos.
César Augusto (n. 1988, México, vive y trabaja en México)
Su principal proyecto consiste en una serie de texturas experimentales creadas bajo la premisa de dibujos asémicos y los experimentos de yuxtaposición del cineasta sovietico Kuleshow donde hay una serie de imágenes que no tienen un nexo evidente entre ellas.
2022, Impresión digital, papel metálico y barniz para arena, 50 x 38 cm $900
2022, Impresión digital, papel metálico y barniz para arena, 50 x 38 cm $900
Daniel Uranga (n. 1995, vive y trabaja en Ciudad de México)
2021, Aluminum with brass and translucent resin details, 31.5 x 5.1 x 1.4 in $900
2021, Aluminum with brass and translucent resin details, 31.5 x 5.1 x 1.4 in $900
Su discurso artístico está enfocado en el eje de la dialéctica formal, que dialoga con materiales en sus estados propios en un intento por conservar sus aparentes estructuras físicas. De esta manera, utiliza los recursos técnicos de la automatización, la robótica y la inteligencia artificial para elaborar en las abstracciones de los elementos fundacionales y principios objetos, que están relacionados de manera cercana con la arquitectura, la naturaleza y la antigüedad.
A través del medio de su trabajo, Uranga reflexiona sobre el rol de la producción en el trabajo artístico, examinando las maneras en que el ‘techne’ juega con sus protagonistas-como-fabricantes a través del trabajo. Su labor está basada en un posicionamiento crítico que cuestiona el status quo de los modelos que son comúnmente aceptados en el mundo del arte al dia de hoy, y opera más allá de los constructos neoliberales y el sistema en el que las categorías de arte y artesanía, no son valoradas al mismo nivel.
Daniela Plascencia (n.1993, Sonora, México, vive y trabaja en Sonora, México)
Artista visual mexicana, exploradora del desierto de Sonora. Su práctica está marcada por la investigación material en la que el juego con la tierra en busca de artefactos antiguos, el forraje y la elaboración desde la naturaleza derivan en una experimentación de forma, color y textura. Su producción más reciente se enfoca en revalorizar de manera integral la cultura de la alfarería, estudiando el material regional y la cosmología que se lleva a cabo en Sonora.
2022, Fotografía impresa con Inkjet sobre papel de algodón, 59 x 43 cm $380
2022, Fotografía impresa con Inkjet sobre papel de algodón, 59 x 43 cm $380
El constante cambio de la naturaleza árida y la cacería de arcilla es un proceso de conocimiento y de obtener conexiones melancólicas por medio de investigación de campo. El intercambio de energía que se genera entre el material y el artista, se convierte en un recuerdo y reliquia simbólica en su trabajo.
Daniela Ruiz de Esparza (n. en Ciudad de México, vive y trabaja en Guadalajara, México)
2020, 35mm fotografia, 38 x 60 cm VENDIDA
2020, 35mm fotografia, 38 x 60 cm VENDIDA
Daniela es fotografía y artista digital con un grado en Animación y Artes Digitales. Por los últimos 5 años ha estado explorando la fotografía análoga y cómo esta cambia su percepción de las cosas. Como la luz que incide en los objetos y cuerpos, la imagen le ha permitido documentar sus memorias. Los momentos simples de la vida, capturados de forma simple.
Juan Carlos Guerrerosantos (n. 1994, vive y trabaja en Guadalajara, México)
El trabajo de Guerrerosantos explora la legitimidad del material, combinando un amplio espectro de referencias desde lo lírico a lo narrativo, de la cultura pop lo clásico o lo religioso; el trabajo de Guerrerosantos es irónico y provocativo, haciendo referencia a las situaciones específicas del contexto particular en el que se sitúan sus piezas tanto en esferas como la social, material, urbana, estética o ecológica.
2022, Mapa en papel de Nueva York y tinta, dimensiones variables $300
2022, Mapa en papel de Nueva York y tinta, dimensiones variables $300
Marek Wolfryd (n. 1989, Ciudad de México vive y trabaja en la Ciudad de México)
(en colaboración con XiaoFeng y Xiamen RuoYa Arts And Crafts Co., Ltd), 2022 , Óleo comisionado sobre tela, 41 x 50 cm, Ed. de 3 VENDIDA
(en colaboración con XiaoFeng y Xiamen RuoYa Arts And Crafts Co., Ltd), 2022 , Óleo comisionado sobre tela, 41 x 50 cm, Ed. de 3 VENDIDA
En la práctica de Wolfryd ante todo, persiste el deseo de ensanchar los límites de la autoría y la originalidad en pro de una poética del fair use, donde la obra es tan solo una red de signos tejida por un semionauta; el artista, un eslabón más en una cadena de producción, distribución, mercantilización y consumo.Su relación con la historia del arte, guiada por la curiosidad, a manera de nota al pie, es ambivalente y abarcadora. Sus series se enfocan en periodos históricos específicos que, al no ser comprendidos de forma monolítica, se interconectan con otros puntos de la historia, trazando un relato que colapsa pasado y presente.
Algunos relatos recurrentes en su trabajo son el proyecto de modernidad en el contexto de América Latina, los valores simbólicos en la cultura popular y el concepto occidental de autoría como instrumento de poder frente a otras narrativas. A nivel formal Wolfryd explora distintos medios y formatos artísticos, teniendo también un interés en la curaduría, museografía y promoción cultural como brazos extendidos de su trabajo.
Michele Lorusso (n. Puerto Vallarta, 1994 vive y trabaja en la Ciudad de México)
Su trabajo fusiona la literatura, la fotografía, la instalación, la escultura, el video, el performance y la pintura para comprender el medio ambiente en el que el artista está posicionado, y desde ahí explorar un lenguaje más interactivo con el entorno espacial/social y sus contextos. Reconociéndose como un ser humano multifacético y sensible, Lorusso manifiesta en su obra una extensión de su pensamiento para manifestar todas sus problemáticas cognitivas y sensitivas.
2021, Espejos, marco de aluminio,13 x 18 x 4 cm VENDIDA
2021, Espejos, marco de aluminio,13 x 18 x 4 cm VENDIDA
El trabajo más reciente de Lorusso es un diálogo entre la luz y el objeto, las tipologías del espacio y la autopercepción a través del reflejo de la luz y la oscuridad. Michele Lorusso fundó VISA PROJECTS, un vehículo para que una generación de artistas Mexicanos presenten su obra en la gran manzana, NYC.
Natalia Ramos (n. 1993 Guadalaja, México, vive y trabaja en Guadalajara, México)
Su práctica está enraizada en los encuentros directos entre humanos y objetos y como la escultura puede imitar o parecerse a ciertas figuras corpóreas o biomórficas en nuestro imaginario colectivo y percibirse como entidades familiares. Los objetos que ella hace, dejan espacio a la apropiación subjetiva en la que cada persona completa el significado de lo que observa. A Ramos le interesa la abstracción y la descontextualización de objetos que nos rodean y la propuesta de un montaje innovador de los mismos, creando nuevas composiciones y posibilidades narrativas. Redireccionar el significado de objetos que ya tienen un lugar en el imaginario común es una manera de subvertir el valor y jerarquía usual del objeto.
A través de una abstracción contenida, jugando intuitivamente con silueta, forma y llanura, Ramos prueba con el deseo de simplificación y reducción: perdiendo exceso, detalles, obstáculos y ganando frescura y ligereza al aproximarse a una pieza, teniendo en mente como los diferente elementos de una escultura se relacionan con el proceso humano de devenir y la pérdida de inocencia.
2021, Acero, porcelana, carnada de madera e hilo de pesca, 163 x 91 x 40 cm $950
2021, Acero, porcelana, carnada de madera e hilo de pesca, 163 x 91 x 40 cm $950
Sergio Andres Barba (n. 1993 Guadalajara, México, vive y trabaja en Guadalajara, México)
cerámica, 30 x 16 x 40 cm $530
cerámica, 30 x 16 x 40 cm $530
El trabajo de Barba está anclado en la materialidad de la cerámica. En su taller cohabitan proyectos utilitarios e investigaciones artísticas que abordan el formato escultórico. Su formación en diseño industrial se manifiesta en el cuestionamiento del objeto y su rol como entidad dentro de la psique, experimentando con diferentes relaciones entre sus usos y sus formas. La cerámica es entendida por el artista como un vehículo para escenificar el paso del tiempo y la solidificación de lo abstracto.
Las esculturas resultantes de sus experimentos reflejan los procesos transformativos que son particulares de la técnica y sugieren una dimensión casi alquímica en la cristalización de la arcilla, bajo las altas temperaturas y los resultados impredecibles al usar distintos tipos de esmaltes y sílices. A través de sistemas modulares el artista pone a prueba el material. La fragilidad inherente de la cerámica comunica una permanencia inestable que abre paso a la exploración del propio material desde dimensiones como la corporalidad y el deterioro.
Si tienes alguna pregunta o estás interesado en las obras del artista, escribe a Blanca o Clara en info@laperaprojects.art